MAndy, Indiana não é uma banda inclinada a facilitar a vida para si. Eles queriam gravar seu álbum de estreia, I’ve Seen a Method, de 2023, em uma caverna de Peak District conhecida como Satan’s Asso, embora as restrições orçamentárias significassem que eles teriam que se contentar com um dia nas cavernas Wookey Gap de Somerset. O novo álbum do quarteto baseado em Manchester/Berlim, Urgh, foi escrito no que eles chamaram de “uma residência intensa em um estúdio misterioso” perto de Leeds; na época, o cantor Valentine Caulfield e o baterista Alex Macdougall estavam passando por várias cirurgias. Dada a intensidade industrial e de sereia de sua música, na qual Caulfield canta sobre horrores pessoais e sociais em seu francês nativo, confinar-se em tal lugar pode ter parecido desnecessariamente masoquista.
Mandy, Indiana, parece sentir um imperativo ethical de abraçar os extremos. Caulfield sempre reiterou sua posição (precisa) de que “se você não está com raiva, então não está prestando atenção”; suas letras encantatórias para a nova música Dodecaedro indicam complacência diante de um mundo em chamas. Dado o grave estado das coisas, o ataque de curto-circuito da banda pode ter tanto apelo para alguns ouvintes quanto enfiar os dedos em uma tomada ao vivo – mas para aqueles inclinados à catarse, eles também entendem perfeitamente o imperativo de ir além da mera observação da injustiça para incorporar visceralmente sua força de girar a cabeça. Caso contrário, qual é o sentido?
Esse instinto os coloca ao lado de Mannequin/Actriz, YHWH Nailgun, Moin, Kim Gordon e Gilla Band, esta última sem dúvida os antepassados de tudo isso. (Daniel Fox da banda mixou a estreia de Mandy, Indiana e co-produziu Urgh.) Cada uma dessas bandas desmontou o rock até seus ossos mecânicos, misturando-o com Frankenstein com o DNA do techno e do lure para fazê-lo parecer chocantemente novo. Nesta companhia suja e purgante, onde todos estão mudando em uma direção diferente o suficiente para que cada ato permaneça convincente, a distinção de Mandy, Indiana vem de seus ritmos flexíveis. Impulsionadas pela incrível versatilidade de Macdougall e pela entrega em staccato de Caulfield, muitas de suas músicas estão vivas com um galope corporal viciante e livre, que muitas vezes é interrompido por ventos fortes e ruídos violentos: uma ameaça à espreita em cada esquina.
Urgh, seu primeiro álbum pela Sacred Bones, tem algumas diferenças óbvias em relação ao seu álbum de estreia: a agitação percussiva de Cursive redireciona para um eletro rudimentar que lembra atraentemente 19, de Paul Hardcastle, e o rapper norte-americano e alma gêmea Billy Woods adiciona versos convidados a Sicko!, soando tipicamente sereno enquanto a faixa oscila enjoadamente entre a penugem gargarejada e o fogo de artilharia pontilhista. Mas a principal evolução é para um som mais pesado e denso, um contraste de extrema fisicalidade e hiper-detalhamento que dá a sensação de ser arrastado por uma onda forte e maravilhar-se com os destroços apanhados em sua ondulação.
É impressionantemente difícil dizer onde termina o guitarrista Scott Honest e começa o sintetizador Simon Catling. O pico feroz de Journal atinge como um bate-estacas que faz uma pausa para recarregar apenas para renovar seu ataque destruidor, enquanto a bateria de Macdougall evoca potes de vidro estremecedores em um minuto, e estrondosos tambores de taiko japoneses no próximo. Destaque Ist Halt So (a frase alemã que significa “é assim que as coisas são”) parece reunir cerca de quatro movimentos diferentes em tantos minutos – provocação, estática, uivo, frio como uma nevasca – e tem uma maneira digna do 9 Inch Nails de tornar a mecânica desprezível e verme de ouvido, para fins nojentos e brilhantes.
Caulfield disse que gosta do fato de a maioria dos ouvintes não entender suas letras; que a concepção dos não-francófonos da língua como bela significa que ela pode, como no primeiro single Nike of Samothrace, esgueirar-se em linhas sobre estupradores esfaqueados. “Estou tentando transmitir minhas intenções a você na maneira como atuo e na maneira como uso essas palavras, e vamos ver se você consegue entender um pouco”, disse ela. Seja qual for o seu nível no Duolingo, não há como negar a impressão de alguém se sentindo preso em meio aos sons de espelho quebrado e à percussão ricocheteada de Strive Saying, uma música sobre o desejo de uma vida fácil. A Brighter Tomorrow combina uma sirene lenta com um som pesado de baixo, criando um efeito sufocante antes mesmo de você perceber que Caulfield, em uma posição desencarnada, parece estar cantando sobre um esforço vacilante em tempo actual para processar a agressão sexual.
Para a música remaining, I will Ask Her, Caulfield canta em inglês pela primeira vez, evidentemente com a intenção de ser ouvido o mais amplamente possível: “Eles são todos malucos, cara”, ela repete freneticamente, repetindo de forma convincente a maneira como os homens descartam casualmente as acusações de agressão sexual contra suas companheiras. Misturado com latidos de cães, um incrível design de som fragmentado e um gemido implacável de uma rebarbadora, ele superaquece até soar como um ataque de pânico.
O #MeToo está desaparecendo pela janela traseira da cultura e, por sua vez, as músicas que confrontam explicitamente a cultura do estupro tornaram-se menos populares nas manchetes. Você pensa em Dominique Pelicot e no ex-vereador conservador Philip Younger – que passaram anos drogando e estuprando suas esposas – e em cada canalha com um carimbo da ilha de Epstein no passaporte, nos irmãos cuidando uns dos outros mais perto de casa, e lembre-se de que é extremamente bom ouvir alguém furioso sobre isso como a emergência que ainda é.
Esta semana Laura ouviu
Apagões contínuos Febre Costeira – Queimaduras solares em Londres
Amor, desconexão e a sombra do colonialismo se entrelaçam no retorno da banda de Melbourne, e a beleza disso é a leveza com que eles avaliam esses assuntos em meio a uma fatia perfeita do indie australiano.
