“Espero que meu trabalho possa ser um companheiro para quem sofreu violência sexual”: Afra Eisma

Os visitantes de Fort Kochi verão uma instalação bastante incomum no primeiro andar do Armazém Holandês. Grandes bonecos almofadados em cores vivas são colocados de forma divertida em tapetes macios. A artista holandesa Afra Eisma, através da instalação ‘Hush’, convida os espectadores a se envolverem com a obra – sente-se um pouco, aconchegue-se com as bonecas, se necessário. É tudo uma questão de conexão, diz ela.

Apresentada pelo Museu de Arte e Fotografia (MAP), Bengaluru, a mostra, Suave Dente de Leiteé uma obra em duas partes — Hush e Warrior Clothes — que outline a prática intensamente política, mas emocionalmente carregada, de Eisma.

Enquanto ‘Hush’ é um mosaico de tapetes macios, cerâmicas e tecidos espalhados pelo chão da sala em uma tapeçaria tátil, ‘Warrior Clothes’, traz vestidos longos em seda e organza, com textos pintados à mão passando por eles.

Nomeada para o Volkskrant Visible Artwork Prize 2026 (um prestigiado prémio de arte para artistas com menos de 35 anos que vivem ou trabalham nos Países Baixos), Eisma, de 33 anos, esteve na vanguarda de uma campanha #metoo nos Países Baixos que procurava expor a violência e a exploração sexual no mundo da arte.

Trechos editados de uma entrevista.

Há conforto em meio aos seres grandes e macios da instalação, ‘Hush’. De onde surgiu a ideia?

A ideia do ‘Hush’ surgiu da necessidade de criar espaços de segurança e cuidado. No centro da exposição está a minha prática de processar traumas pessoais através do fazer, particularmente traumas ligados à violência de género e às consequências corporais desta. O título da obra ‘Hush’ refere-se à respiração que se tornou ponto de partida. A respiração é íntima e poderosa: um ato corporal simples que pode acalmar o sistema nervoso e reconectar corpo e mente. A partir daí, os seres macios e superdimensionados surgiram como manifestações físicas de conforto, proteção e apoio mútuo.

Eles são companheiros imaginários, seres de outro mundo projetados para abraçar, carregar e cuidar uns dos outros, modelando o tipo de cuidado que acredito ser necessário para a cura. A escala e a tatilidade das obras são intencionais. Ao tornar as figuras grandes, suaves e envolventes, a obra convida os visitantes a desacelerar, tirar os sapatos e entrar em um espaço que parece não ameaçador e generoso. O “silêncio” resulta, em última análise, de um desejo de transformar a dor num ambiente partilhado e gentil, onde a vulnerabilidade é permitida, a respiração é notada e o conforto se torna uma experiência colectiva em vez de solitária.

Um visitante interage com a instalação ‘Hush’ | Crédito da foto: Philipp Scholz Rittermann

Como você descreveria seu processo artístico?

Meu processo artístico começa mais pela emoção do que pela forma ou conceito. Sentimentos, especialmente aqueles que muitas vezes são considerados desconfortáveis, como raiva, tristeza, medo ou ambiguidade, são tratados como fontes de força inside e conhecimento. Trabalho de forma muito intuitiva, permitindo que experiências, sensações corporais, memórias, conversas e compromissos ativistas se sedimentem lentamente em imagens, texturas e personagens. Fazer é uma forma de processar: trabalhando com as mãos, posso pensar, sentir e liberar ao mesmo tempo. Meu trabalho exige muita mão-de-obra por causa das técnicas artesanais que utilizo, e o tempo, a energia e a emoção investidos no processo de confecção são transportados para o trabalho e sentidos por quem o encontra.

O processo é não linear e relacional. As ideias vão e voltam entre cadernos de desenho, rabiscos, escritos, têxteis, cerâmica, som e arranjos espaciais. Um ser pode aparecer primeiro como um pequeno desenho, depois retornar como um objeto de cerâmica e, mais tarde, transformar-se em uma tapeçaria de grande escala na qual você pode sentar-se ou encostar-se. Estou interessado em saber como os motivos migram e se transformam, assim como fazem as emoções. Nada existe isoladamente; cada trabalho justifica e nutre os outros.

O artesanato é elementary para a forma como trabalho. Técnicas como tufos, costura e construção handbook de cerâmica são lentas, repetitivas e físicas, o que permite espaço para reflexão e para que emoções venham à tona. O trabalho em si faz parte do significado – às vezes os pontos tornam-se “zangados”, às vezes as formas tornam-se suaves e protetoras. Cores brilhantes e estética lúdica são usadas deliberadamente para abordar experiências mais sombrias com delicadeza, abrindo espaço para cuidado, generosidade e convite em vez de confronto.

Em última análise, o processo se expande para fora do espaço expositivo. Penso nas instalações como ambientes de hospitalidade: lugares que prendem os visitantes, estimulam o descanso, a conversa e o convívio. A participação do público não é uma reflexão tardia, mas uma extensão da ética do trabalho. Meu processo parece completo quando o trabalho se torna uma experiência compartilhada onde abre espaço para conexão, reflexão e cuidado mútuo.

‘Vestuário de Guerreiro’ por Afra Eisma | Crédito da foto: Jules Lister

Você tem falado abertamente sobre violência sexual e trauma. A sobrevivência é uma corrente subjacente em seu trabalho. Você também está criando espaços para os espectadores processarem seus próprios traumas. A arte mostra o caminho para a cura?

Não creio que a arte mostre o caminho para a cura, como se houvesse um caminho ou solução clara. Para mim, a arte oferece um caminho onde a cura pode começar, pausar ou simplesmente ser mantida. Fazer trabalho me ajuda a processar experiências que ainda são muito complexas ou dolorosas para serem expressas em linguagem. Através de trabalho lento e trabalhoso e da repetição, as emoções se movem através do meu corpo e para o materials, e isso em si é uma forma de cura.

Às vezes, a cura começa simplesmente por não estar sozinho com o que você carrega. Espero que meu trabalho possa ser um companheiro para quem sofreu violência sexual.

Ser uma sobrevivente de violência sexual pode isolar profundamente, e esse isolamento pode ser perigoso. Ao abordar com clareza essa experiência e nomear que meu trabalho é feito especialmente para quem já a viveu, espero abrir um espaço onde as pessoas se sintam seguras o suficiente para se reconhecerem, para se sentirem menos sozinhas e para começarem a normalizar as conversas em torno deste tema.

Os seres lúdicos do seu trabalho são inspirados em alguém ou alguma coisa da infância?

Eles não são diretamente inspirados em personagens ou figuras específicas da minha infância, mas se conectam a uma forma infantil de imaginar e de se relacionar com o mundo. Queria criar seres que pudessem oferecer o calor de um abraço sem serem muito humanos. Às vezes, desejamos ser abraçados ou consolados, mas o toque humano pode parecer complicado ou opressor. Ao manter essas figuras um pouco sobrenaturais, elas permitem um tipo diferente de intimidade, onde você permanece totalmente no controle de quanta proximidade ou toque deseja.

Estou interessado na abertura que as crianças muitas vezes têm, na sua capacidade de inventar companheiros, de se mover com fluidez entre a fantasia e a realidade e de abordar emoções pesadas através da brincadeira. Esses seres funcionam um pouco como amigos imaginários: eles podem manter sentimentos difíceis sem se tornarem opressores.

Ao mesmo tempo, eles são moldados pelas minhas experiências adultas. A brincadeira é intencional, pois cria um ponto de entrada que parece gentil e não ameaçador. Portanto, embora as figuras possam ecoar a imaginação infantil, elas na verdade tratam da criação de uma linguagem compartilhada e afetuosa no presente, que abre espaço para vulnerabilidade, proteção e conexão.

Da obra ‘Vestuário de Guerreiro’ | Crédito da foto: Philipp Scholz Rittermann

O que te inspira como pessoa e artista?

Sou profundamente influenciado pela literatura e por escritores que imaginam formas alternativas de ser e de se relacionar, como Meenakshi Thirukode, Sara Ahmed, Ursula Ok. Le Guin e Audre Lorde. O pensamento deles me ajuda a compreender as emoções como forças políticas, coletivas e transformadoras. Também me inspiro nos artistas ao meu redor, como: Karin Iturralde Nurnberg, Marnix van Uum, Afrah Shafiq e Buhlebezwe Siwani, bem como naqueles que vieram antes, incluindo Ovartaci, Dorothy Iannone, Sister Gertrude Morgan e Mrinalini Mukherjee.

O que mais me inspira é a conexão: entre pessoas, materiais, emoções e formas compartilhadas de imaginar como podemos abraçar e cuidar uns dos outros.

Como você descreveria sua escolha de materials? Qual é o papel do materials em seu processo?

Os materiais são fundamentais para a minha prática, não são apenas recipientes para ideias, mas também elementos activos do trabalho. Escolho cores vivas de fios, tecidos, esmaltes para cerâmica e outros materiais táteis por sua fisicalidade e capacidade de resposta; cada materials tem seu próprio peso, textura e ritmo. A suavidade do tecido permite intimidade e toque, a cerâmica mantém a forma ao mesmo tempo que carrega uma sensação de fragilidade, e a cor torna-se uma forma de guiar a emoção e a atenção.

O que você achou do espaço em Kochi? O espaço serviu para o seu trabalho?

O espaço em Kochi é lindo, mas também carrega uma história de peso. O Armazém Holandês, com o seu passado colonial, lembrou-me como os espaços nunca são neutros. Eles contêm camadas de poder, deslocamento e memória. Formas suaves, carinhosas e lúdicas entraram num native moldado por histórias de controle e extração. Como o Dutch Warehouse está localizado no coração de Fort Kochi, a curadora Arnika Ahldag e eu sentimos que period importante criar um espaço que incentivasse a reunião, a permanência e os encontros informais. Isto está de acordo com a forma como quero que as minhas instalações funcionem: como locais de cuidado, reflexão e ligação que falam tanto de histórias pessoais como políticas.

Quais são seus próximos projetos?

Neste momento, comecei a trabalhar para a Kinderbiennale (Bienal Infantil) no Museu Groninger, juntamente com várias outras exposições futuras. Uma parte da apresentação no armazém holandês irá para o MAP em Bengaluru, o que significa que voltarei à Índia na primavera.

Delicate Tooth of Milk estará em exibição no Dutch Warehouse em Fort Kochi até 31 de março.