Crítica do filme ‘Marty Supreme’: Timothée Chalamet vende o destino no monumental julgamento de autoestima de Josh Safdie

Josh Safdie abre Marty Supremo com um tipo de confiança admiravelmente vulgar, sugerindo que a ambição será agora tratada como uma função decididamente corporal. Ele faz isso encenando os créditos iniciais como a própria concepção, onde um óvulo humano é fertilizado e imediatamente estetizado em uma bola de pingue-pongue girando ao som de sintetizadores cintilantes dos anos 80, como se o destino fosse algo que você pudesse fabricar por pura força de desejo. O personagem titular impossivelmente vaidoso de Timothee Chalamet passa as próximas duas horas e meia se comportando como um homem convencido de que o universo já o endossou retroativamente, o que deixa todos os outros presos vivendo nas réplicas de sua auto-estima.

Situado em 1952, mas vibrando com uma inquietação que não pertence a nenhuma década, Marty Supremo marca o segundo longa-metragem solo de Josh Safdie desde 2008 Os prazeres de ser roubadoe segue Marty Mauser, um vendedor de calçados do Decrease East Facet cujo prodigioso talento no tênis de mesa importa menos do que sua crença de que o talento deveria lhe dar direito à velocidade, acesso e perdão. Safdie entende que essa crença é cômica e letal, o que permite ao filme satirizar Marty enquanto rastreia os danos que ele deixa para trás.

Marty entra no filme já no meio da agitação. Ele está dormindo com uma mulher casada nos fundos de uma loja de sapatos da família, da qual deseja fugir, e fala sobre seu futuro com uma certeza presunçosa. Chalamet o interpreta como um overclock verbal, meio tempo à frente de todos os outros na sala porque ele se recusa a esperar permissão para terminar um pensamento. Essa confiança lança as sementes para o que se segue, uma vez que cada escolha subsequente cresce logicamente a partir da recusa de Marty em aceitar o atrito ou o revés como algo que não seja uma inconveniência temporária.

Safdie enquadra a Nova Iorque do início dos anos 50 como uma panela de pressão na qual o dinheiro, o sexo e a ambição circulam através do mesmo sistema de ventilação gorduroso, de modo que o clube de ténis de mesa se torna numa combinação de albergue, capela e fábrica de ilusões, incubando interminavelmente a fantasia masculina de Marty. Marty floresce neste ambiente comprimido porque a compressão recompensa o quantity, mas no momento em que ele o deixa – especificamente durante seu encontro em Londres com o imperturbável Koto Endo – os limites de sua velocidade tornam-se impossíveis de ignorar. Sua recusa em dormir com os outros jogadores, seguida por sua mudança imediata para o Ritz, desempenha um papel de importância estratégica, já que Marty intui que ser visto é pelo menos tão importante quanto ser bom e muitas vezes paga melhor. O caso com Kay Stone, de Gwyneth Paltrow, prossegue como uma negociação doce em que a intimidade substitui o capital, e Safdie permanece apenas o tempo suficiente para mostrar Marty confundindo proximidade com a riqueza com iniciação nela. Perder a ultimate para Endo esvazia a fantasia da coroação, embora Safdie retenha a punição actual para mais tarde.

Um nonetheless de ‘Marty Supreme’ | Crédito da foto: A24

A trilha sonora requintada de Daniel Lopatin articula a ambição com mais clareza do que o diálogo jamais poderia e reconfigura a relação do filme com a história. A escolha de inundar uma história dos anos 1950 com sintetizadores dos anos 80 e hinos da nova onda cria uma dissonância produtiva, uma vez que a música caminha em direção ao futuro enquanto os personagens permanecem presos dentro de hierarquias ultrapassadas. As pistas de Lopatin comportam-se como o sistema nervoso de Marty, surgindo à frente do corpo e arrastando a narrativa em direção a um horizonte imaginado que nunca chega.

Quando Marty volta para Nova York, o filme muda de propulsão para precipitação, e a pressão começa a se redistribuir sobre cada pessoa tola o suficiente para ainda estar por perto. A gravidez de Rachel (Odessa A’zion) detona a fantasia de um adiamento sem fim ao exigir consequências em forma de calendário, enquanto as improvisações preferidas de Marty disfarçadas de engenhosidade se transformam em uma cadeia de esquemas cada vez mais perturbados envolvendo um cachorro sequestrado, um gângster cada vez mais irritado, pistas de boliche suburbanas e a liquidação sistemática de confiança. Safdie resiste à escalada por si só, optando, em vez disso, por deixar cada desastre desenrolar-se como a resposta lógica ao anterior, o que dá ao caos uma coerência incómoda, mesmo quando a trajectória se curva inequivocamente para o colapso. Nada aqui parece aleatório – tudo parece conquistado da maneira mais contundente possível.

Chalamet torna esta descida legível ao recusar qualquer aparência de interioridade. Marty não faz uma pausa para pensar porque pensar iria atrasá-lo, por isso a efficiency funciona apenas com base no apetite, calibrada para a fome e não para a reflexão. Quando a humilhação se torna a cobertura para o movimento contínuo, Marty paga instantaneamente e sem recibo, tratando a dignidade como um bem líquido destinado a ser gasto, reabastecido e gasto novamente. O que torna o desempenho doloroso é o quão casualmente ele realiza essa troca, como se converter o respeito próprio em impulso para a frente fosse simplesmente mais um custo de fazer negócios em um mundo que continua recompensando o homem mais barulhento na sala até que a conta finalmente chegue.

Os irmãos Safdie foram esmagados pelas críticas que descrevem seus filmes como simplesmente “estressantes” ou “indutores de ansiedade”, em vez de perguntar o que esse estresse realmente está causando, e Marty Supremo torna impossível ignorar a pobreza dessa taquigrafia. O tecido conjuntivo que corre de Bom momento através Gemas brutas e neste filme tem pouco a ver com nervosismo e tudo a ver com exposição, uma vez que Josh Safdie continua a regressar ao capitalismo como um sistema que exige uma humilhação ritualizada antes de oferecer sequer a ilusão de mobilidade. A vida de Marty torna-se um programa de humilhações obrigatórias, cada uma delas enquadrada como um preço razoável para a participação contínua, quer esse preço chegue como uma multa, uma proibição, um remo público no vagabundo ou a erosão gradual de todos que acreditam nele.

Um nonetheless de ‘Marty Supreme’ | Crédito da foto: A24

Marty Mauser incorpora uma fantasia peculiarmente americana em que o destino se transforma em um exercício de marca pessoal, e Safdie obviamente se diverte deixando essa fantasia se transformar em paródia. A sua convicção de que a grandeza lhe é devida parece assustadoramente atual, especialmente quando combinada com a imagem de bolas de ténis de mesa cor de laranja estampadas com o seu nome e promessa patriótica, uma vez que ecoa a forma como o poder americano adora estetizar-se como um produto. Observando Marty atravessar fronteiras ostentando seu excepcionalismo, torna-se difícil não pensar em outro símbolo laranja do pingue-pongue do American Dream™ em todo o país, alimentado por machismo infundado e fervor fascista agressivamente comercializado.

Safdie também enfia uma das facas mais afiadas do filme de lado, através de um trecho envolvendo o “mel” do Holocausto que torna a violência histórica algo espesso, comercializável e infinitamente sugado, uma vez que você saiba como vendê-la. A metáfora surge quando Marty estimula seu ex-rival e sobrevivente de Auschwitz a invocar casualmente o sofrimento herdado para facilitar o acesso a um certo tubarão (que infelizmente aparece com destaque no filme). Marty nunca articula este sistema, mas beneficia dele instintivamente, o que é precisamente o ponto, uma vez que Safdie parece estar aludindo a como o trauma histórico se torna um recurso infinitamente renovável que poderia justificar praticamente qualquer coisa, o que, claro, soa sonoro com um particularmente handbook de nível estadual bem usado.

É difícil assistir Marty Supremo sem reconhecer que Timothée Chalamet estava ensaiando para esse papel muito antes de as câmeras rodarem, especialmente quando você se lembra de sua declaração de grandeza sem remorso no SAG Awards do ano passado. A arrogância daquele momento parece um ponto muito público de atuação metódica em retrospecto, já que a fome que ele demonstrou ali se tornou a força animadora de sua atuação aqui. Chalamet interpreta Marty com uma sede descarada que parece ao mesmo tempo exaustiva e magnética, e o filme se beneficia de sua disposição de fazer a ambição parecer depravada. Por mais que me doa admitir, assistir a um menino branco insuportável canalizando a patologia de um menino branco ainda mais insuportável resulta em algo inegável, porque Chalamet finalmente alinha sua própria busca de validação com um personagem construído para interrogá-la.

Que sua raquete lasque e se quebre, Timmy Tim.

Marty Supreme está atualmente em exibição nos cinemas

Publicado – 23 de janeiro de 2026, 17h30 IST