As Graffiti Towers de Los Angeles tornam-se símbolos miniaturizados de desperdício e negligência na impressionante exposição de Sayre Gomez na galeria

O Oceanwide Plaza deveria ser um trio de torres reluzentes e altas de uso misto no coração do centro de Los Angeles. Em vez disso, as suas carcaças inacabadas foram abandonadas quando o promotor ficou sem dinheiro para a construção de luxo de mil milhões de dólares em 2019; representam agora uma ruína da ambição capitalista e uma tela involuntariamente espectacular para actos ousados ​​de graffiti. Um artista não poderia ter sonhado com um monumento melhor à arrogância do desenvolvimento superaquecido numa cidade onde tantas pessoas permanecem desabrigadas.

Assim, o artista de Los Angeles Sayre Gomez construiu um modelo em escala incrivelmente fiel das torres, agora em exibição até 1º de março em sua exposição, “Valuable Moments”, na Galeria David Kordansky. Criada a partir de imagens das torres reais capturadas por drone, a escultura tem mais de 2,5 metros de altura e é incrivelmente precisa, registrando os detalhes de cada trabalho particular person de graffiti, as texturas de concreto e ferro e os detritos de construção deixados aleatoriamente no native. A atenção de Gomez em recriar essas nuances não apenas proporciona vistas das torres que não podem ser vistas da rua, mas também pede aos visitantes que prestem atenção ao desperdício, ao abandono e à possibilidade frustrada que elas simbolizam em nosso núcleo urbano.

A obra pode ser comparada às esculturas em conjunto eretor de Chris Burden, mas com fins muito diferentes. O fardo “Metrópole II,” perenemente exposta no Museu de Arte do Condado de Los Angeles, é uma pista vertiginosa e sinuosa para carrinhos de brinquedo que passam entre arranha-céus brilhantes. Provoca admiração pela densidade e dinamismo de uma cidade de fantasia. “Oceanwide Plaza”, de Gomez, por outro lado, retrata algo actual e bastante distópico. A escultura evidencia o esvaziamento de um sonho de crescimento desenfreado tal como acontece, em tempo actual, na nossa cidade.

Pode ser um instantâneo fortuito. No início deste mês, a cidade de LA atacou um acordo de saída de falência que resolve disputas de credores e abre a possibilidade de venda, abrindo caminho para mudanças. A escultura de Gomez torna-se assim um registo importante de um momento precioso: aquele em que os resíduos da ganância foram expostos para todos verem.

O que o modelo não consegue capturar é a forma como os grafites nas torres muitas vezes se destacam, como se estivessem estampados no céu de Los Angeles. Certamente, escrever o nome entre as nuvens é uma exploração alegre do progresso paralisado dos edifícios, reivindicando um dos poucos espaços onde a natureza e a cidade se encontram de forma confiável. Gomez aborda esse tema em suas pinturas fotorrealistas, que muitas vezes apresentam céus dramáticos justapostos a sinais urbanos decadentes. “Mercadorias de sorvete” retrata um pôr do sol suave e brilhante que caberia perfeitamente em uma revista de viagens ou em um panfleto religioso, exceto que é interrompido pela moldura enorme de uma placa de supermercado quebrada. Em “Bandeira da Vacina”, um banner vertical forma um arco gracioso através de um suave gradiente de neblina de Los Angeles, mas o tecido do banner está tão esfarrapado e deteriorado que sua propaganda de vacinas é quase ilegível. A pintura é ao mesmo tempo uma bela composição e um comentário sobre a erosão da confiança do público na ciência.

Sayre Gomez, “Bandeira da Vacina”, 2025, acrílico sobre tela, 84 x 60 polegadas.

(Sayre Gomez / Galeria David Kordansky)

Tais imagens instigam uma interpretação irônica do título do programa, “Valuable Moments”, que se refere a uma linha de estatuetas colecionáveis, muitas vezes com temática cristã que retratam crianças fofas, em sua maioria brancas, com olhos de corça e cabeças enormes. Geralmente engajados em atividades anódinas, apresentam versões idealizadas da infância: cheias de doçura estereotipada, inocência e luz. Empoleiradas nas vigas de uma galeria estão duas grandes bonecas no estilo dessas estatuetas. Representando os filhos de Gomez, eles evocam algo mais próximo da realidade dos pais: filhos adoráveis, sujos e sujos. Como “Oceanwide Plaza” subverte a fantasia da miniatura, as bonecas fazem o mesmo com a estatueta colecionável, perguntando o que torna um momento “precioso”.

A exposição também inclui murais com imagens familiares da infância: um deles é uma ilustração de um enorme acidente de trânsito do autor de livros infantis Richard Scarry. O amontoado cacofónico de carros e camiões conduzidos por uma grande variedade de animais parece uma metáfora para a nossa sociedade desesperadamente polarizada, caótica e desatenta. Isso é o que as pessoas fazem o dia todo! Enquanto os livros de Scarry apresentam tais catástrofes com cores vivas e bom humor, Gomez mina essa alegria ao sobrepor ao mural uma pintura quase toda preta de um acampamento desolado em frente a uma casa destruída pelo incêndio em Eaton. O ponto fraco do caos.

Algumas das obras mais marcantes da mostra são pinturas de janelas, que retratam pelo menos três espaços: o que está por trás do vidro, a superfície do vidro marcada com adesivos ou placas e o reflexo do exterior. Estas imagens parecem pequenos mundos pressionados contra a superfície de cada pintura, semelhantes às telas onipresentes – telefones, TVs, computadores – que rotineiramente achatam a nossa realidade. “Janela do apartamento” é quase abstrato, imprensando uma constelação de adesivos de desenhos animados descascados e desbotados pelo sol entre um pôr do sol refletido e as listras de persianas verticais. É uma imagem misteriosa, sugerindo o declínio da alegria infantil. “Janela saliente” é mais perturbador, cobrindo seu pôr do sol e adesivos infantis alegres com cortinas marrons amassadas e uma confusão de frascos de comprimidos. As duras realidades – neste caso, a doença e o vício – nem sempre ficam atrás da cortina.

Sayre Gomez, “Vertigo”, 2025, acrílico sobre tela, 96 x 144 polegadas.

(Sayre Gomez / Galeria David Kordansky)

Fiquei um pouco desapontado ao saber que as pinturas de Gomez não são baseadas em descobertas espontâneas, mas em composições de fotos que ele tirou pela cidade. As imagens são compostas propositalmente, mas por que pintá-las? Por que não fazer grandes impressões das colagens digitais e encerrar o dia? Gomez deixou pelo menos uma pista. Na pintura “Vertigem”, a imagem de um carro onde alguém claramente mora aparece em frente a um prédio encimado por um grande anúncio com uma mulher attractive e reclinada. Olhando de perto, avistei um fino contorno preto entre o carro e o prédio, uma fatia do fundo authentic do carro. Ao incluir este artefato de seu processo digital, Gomez reconhece que o tema da pintura não é a realidade vivenciada nas ruas da cidade, mas uma proposição construída. Ao transformar tais proposições em pinturas, ele converte imagens digitais escorregadias em algo duradouro e tangível. Os seus momentos preciosos não são memórias de um passado idealizado, nem projeções de um sonho tentador, mas intervenções no nosso presente complexo que revelam camadas belas e perturbadoras.