A música de cinema é talvez a mais ouvida, mas menos ouviu música lá fora. E apesar da sua onipresença e da sua contribuição inestimável para o cinema e para a frequente glória artística, tem sofrido com esta falta de atenção, de apreciação suficiente.
Teve um standing bastardo entre a cultura clássica desde o início, o que o manteve fora das salas de concerto, onde provavelmente pertencia como herdeiro legítimo de outras músicas orquestrais de formato longo. Mas também não foi apreciado pelas massas e até pela própria indústria cinematográfica: basta olhar para a decisão do Globo de Ouro de não transmitir a categoria de banda sonora unique na transmissão de domingo, aparentemente por razões de tempo. (Ludwig Göransson venceu por “Sinners”, e o present ainda durou mais do que “Avatar: Hearth and Ash”.)
Numa missão contra esta desvalorização e ignorância geral sobre a música cinematográfica está o maestro Scott Dunn, que se associou aos Wallis em Beverly Hills para formar uma nova orquestra – composta pelos melhores músicos de Los Angeles – dedicada a apresentar o melhor que esta forma de arte tem para oferecer.
“É fascinante para mim que tivéssemos todos esses grandes gênios na cidade e os ignorássemos”, diz Dunn.
A Orquestra Scott Dunn estreou em maio passado com um concerto inteiro dedicado a Henry Mancini, seguido em novembro por uma mostra dos modernistas de meados do século de Hollywood. Neste sábado eles farão uma turnê pelos anos 1970, que traz músicas clássicas de Jerry Goldsmith (“Chinatown”), Nino Rota (“O Poderoso Chefão”), Marvin Hamlisch (“O Espião que Me Amava”), David Shire (“A Conversa”) — e, claro, John Williams.
Dunn diz que este foi provavelmente o concerto mais difícil que alguma vez programou: “Conseguiria, em 10 segundos, montar um segundo e talvez um terceiro programa dos anos 70, porque a lista é interminável”.
(Seu próximo concerto, em maio, focará nos compositores emigrados europeus que ajudaram a escrever o código da trilha sonora dos filmes de Hollywood na década de 1930.)
Os anos 70 foram uma década fértil para trilhas sonoras de filmes. Alguns autores de Nova Hollywood estavam ansiosos por experimentação: “Chinatown”, composta como uma partitura substituta em apenas 11 dias, foi escrita para quatro pianos, quatro harpas e trompete solo; enquanto “The Dialog” period apenas piano solo, tão solitário quanto o melancólico protagonista do filme, Harry Caul. Outros novos diretores queriam alguma religião dos velhos tempos; assim, o jovem Martin Scorsese se uniu ao lendário Bernard Herrmann em “Taxi Driver” e o jovem Steven Spielberg contratando John Williams – que ressuscitou dramaticamente a grande trilha sonora sinfônica da narrativa.
Um vento fresco também soprou do outro lado do Atlântico, com compositores franceses e italianos importando a estética do Velho Mundo (Rota) e da Nova Onda (Michel Legrand) para o cinema americano. Ainda outra brisa soprou da Broadway, com compositores como Hamlisch trazendo extrema melodia e sensibilidade de arranjador. O programa de Dunn também inclui músicas da trilha sonora ultimate do maestro de Previous Hollywood, Miklós Rózsa, para o filme “Time After Time”, de 1979. Foi realmente uma década de transição.
Maestro Scott Dunn
(Kevin Parry)
Algumas destas partituras, ou pelo menos os seus temas principais, foram ouvidas na sala de concertos. Mas mesmo a melhor música de cinema tem sido frequentemente relegada a “pops” e concertos de verão, com um julgamento tácito entre as orquestras sinfónicas de que só deveria ser combinada com crianças e toalhas de piquenique.
É verdade que a música para cinema está na programação de todas as orquestras hoje em dia – mas como um segundo violino em relação a uma projeção gigante de um filme standard. O LA Phil aderiu a uma tendência internacional de exibir filmes como “Jurassic Park” e “Dwelling Alone” e reproduzir suas partituras ao vivo, um fenômeno que Dunn diz esperar “que traga interesse pela música para cinema – mas não atraiu particularmente muito foco na música ou na qualidade da música.
“O que é ótimo”, acrescenta ele rapidamente. “Isso atrai as pessoas. Mas acho que se você realmente tirar o filme da equação e tiver cuidado com a música selecionada, você pode realmente fazer alguns reveals incríveis dessa música.”
Seu modelo foi John Mauceri, que fundou a Orquestra Hollywood Bowl em 1991 e conduziu ambiciosos concertos musicais de cinema aqui durante 15 verões. Mauceri defendeu a posição de que “a atenção deveria estar focada na partitura”, diz Dunn, que ajudou Mauceri durante aqueles anos – “que o filme é realmente uma espécie de distração, que a partitura funciona como música de concerto se for massageada corretamente”.
Os obstáculos à apresentação de música cinematográfica em concerto vieram de forças externas – mas também de dentro de casa. O esnobismo e o desdém das elites clássicas foram internalizados pela primeira ou duas gerações de compositores de Hollywood, que por sua vez rejeitaram o seu próprio trabalho e também muitas vezes não fizeram nenhum esforço para preservar a música ou reorganizá-la para apresentação em concerto. (Localizar partes antigas de partituras e torná-las reproduzíveis, além de licenciar estúdios e detentores de direitos, aumenta a dificuldade desses tipos de concertos.)
Mas desde os primórdios de Hollywood, existem entusiastas destes Wagners e Mozarts modernos, espectadores que desenvolveram um terceiro ouvido para ouvir e apreciar com atenção esta nova e excitante música tocada sob diálogo e efeitos sonoros, música que é pejorativamente rotulada como “pano de fundo”, mas que, para nós, é a força important e a alma espiritual do cinema.
Este pequeno clube incluía muitos músicos, que tocaram “Indiana Jones” em seus conjuntos escolares e depois se juntaram a orquestras profissionais e mal podiam esperar para tocar “Star Wars” no Disney Corridor ou no Carnegie Corridor. O clube também incluía maestros – como Gustavo Dudamel, um descarado geek de música cinematográfica – bem como Mauceri e David Newman, filho do lendário compositor de cinema Alfred Newman, que se tornaram especialistas e defensores de concertos de música cinematográfica.
Dunn veio para este clube de forma indireta. Crescendo em Iowa, ele foi atraído pelas partituras de músicas da Broadway no piano de sua família e, com a ajuda de um grande professor, ganhou uma vaga na Juilliard. Mas as competições de piano o assustaram e ele fugiu da música; ele se mudou para Los Angeles e fez cursos de pré-medicina na USC, obtendo a certificação como cirurgião oftalmologista.
Orquestra Scott Dunn
(Kevin Parry)
Por volta dessa época, no início dos anos 90, Dunn vendeu sua casa; um dos compradores interessados foi Leonard Rosenman, o compositor vencedor do Oscar famoso por “Rebelde Sem Causa”, que notou o piano de cauda Steinway e as partituras de competição e reconheceu que esse “médico” period na verdade um músico. Eles se conheceram e se tornaram amigos, e Rosenman convenceu Dunn a voltar à música.
Ele inicialmente voltou ao piano, mas achou a vida de solista de concerto bastante solitária, então gravitou para reger e fazer música com uma orquestra inteira.
“Eu não recomendaria esse caminho – tentar se tornar um maestro de classe mundial com quase 30 anos é uma tarefa muito dolorosa”, diz ele.
Mas valeu a pena. Dunn regeu orquestras importantes de Los Angeles a Sydney e acompanhou muitos artistas pop, além de defender a música para cinema. (Ele também costuma fazer os arranjos e, ocasionalmente, senta-se ao teclado.)
Existe público para esta música? Dunn bate em uma mesa de madeira e diz que todos os reveals esgotaram até agora. Ele tem esperanças de futuros concertos celebrando compositores franceses, a música cinematográfica de Randy Newman (“Acho que ele é o nosso Schubert moderno”) e, naturalmente, John Williams (“Adoraria explorar algumas de suas incríveis partituras menos conhecidas”).
Essa música de “fundo” merece toda a atenção de Los Angeles.
